Bevor Orchestral Manoeuvres in the Dark die Bühne betraten, gab es Zoot Woman im Vorprogramm. Eine interessante Wahl: Die Band war um die Jahrtausendwende mit einem Sound aufgefallen, der sich deutlich an den 1980er Jahren orientierte. Zeitgenössische elektronische Beats erweiterten damals die stilistische Rückschau, doch die Ästhetik blieb unverkennbar im Jahrzehnt von Synthesizern, Neonfarben und großen Sonnenbrillen.

So standen zwei Herren in roten und pinken Anzügen auf der Bühne, die tatsächlich direkt aus Miami Vice entsprungen sein könnten. Dazu gab es 80er-Jahre-Pop mit leicht housigen Elektrobeats und den entsprechend coolen Habitus. Der Auftritt funktionierte sehr gut und kam auch beim Publikum an. Gleichzeitig zeigte er ziemlich deutlich, was eine Band wie OMD von vielen Bands unterscheidet: ihr Gespür für Melodie.

Denn bei Orchestral Manoeuvres in the Dark geht es nicht nur um Gesangsmelodien. Auch die Instrumente entwickeln eigene melodische Linien, die sich gleichberechtigt neben den Gesang stellen. Dadurch erhalten viele Stücke eine zusätzliche Dimension. Andy McCluskey und Paul Humphreys beherrschten dieses Prinzip bereits in den Anfangsjahren, als sie als eines der ersten Synth-Pop-Duos auf der Bühne standen. Im Amphitheater Hanau zeigte sich am 11.08.2026, dass diese Qualität auch nach mehr als vier Jahrzehnten noch immer zu hören ist.

Zwischen Hits und neuen Stücken

Den Titel der Tour, Summer of Hits, nahm OMD dabei nicht allzu wörtlich. Zwar bildeten die bekannten Stücke den Kern des Programms, dazwischen blieb aber auch Platz für einige Songs aus jüngeren Alben. Isotype von The Punishment of Luxury aus dem Jahr 2017 machte den Anfang, bevor mit Messages ein Stück vom Debütalbum folgte.

Spätestens bei Messages wurde deutlich, wie gut die Band an diesem Abend funktionierte. Der Jubel reichte bis in die hinteren Reihen des Amphitheaters. Gleichzeitig blieb das Programm abwechslungsreich genug, um nicht zu einer reinen Abfolge bekannter Singles zu werden.

Das Amphitheater Hanau ist groß, wirkt durch seine Architektur aber erstaunlich intim. Die Nähe zum Geschehen ist dadurch größer als in vielen Hallen, in denen OMD sonst auf der Bühne stehen.

Auch akustisch machte sich die besondere Konstruktion bemerkbar. Der Sound war gut, wenn auch nicht perfekt. Für ein Open-Air-Konzert blieb er erstaunlich klar und direkt. Das große Zelt, das nicht nur die Bühne, sondern einen erheblichen Teil des Zuschauerraums überspannt, schien dabei eine wichtige Rolle zu spielen. Außerhalb des überdachten Bereichs war der Klang merklich weniger präzise.

Gleichzeitig dunkelte das Zelt den Raum bereits während des Konzerts etwas ab. Dadurch konnte die Lichtshow von Anfang an ihre Wirkung entfalten. Das Bühnenlicht musste nicht gegen die Helligkeit eines Sommerabends ankämpfen, sondern konnte Teil der Atmosphäre werden.

Die Melodie von Maid of Orleans

Den ersten großen Höhepunkt des Abends bildete Maid of Orleans (The Waltz of Joan of Arc). Das Stück war 1982 nicht nur OMDs erfolgreichste Single in Deutschland, sondern auch die meistverkaufte Single des Jahres. Bemerkenswert ist dabei, dass es weniger die Gesangsmelodie ist, die sich unmittelbar festsetzt. Es ist vor allem die Instrumentalmelodie, die nach wenigen Takten im Kopf bleibt.

Damit zeigt das Stück exemplarisch, was OMDs Musik so besonders macht. Die einzelnen Instrumentalparts sind nicht bloß Begleitung für den Gesang. Sie tragen die Komposition. McCluskey und Humphreys haben schon früh verstanden, dass ein Synthesizer nicht nur Flächen und Effekte erzeugen kann, sondern ebenso eine Melodie tragen kann wie eine Gitarre oder ein Klavier.

Nach Maid of Orleans folgt ein langer, stürmischer Applaus. Erst ein kurzer Musikeinspieler unterbricht ihn. Die Klänge erinnern an Genetic Engineering vom Album Dazzle Ships. Das Album selbst, das zu den etwas experimentelleren frühen Arbeiten von OMD gehört, bleibt an diesem Abend allerdings außen vor.

Während des Einspielers wird die Bühne umgebaut. Kleine Keyboards und elektronische Drums werden in einer Reihe aufgestellt. Nun sind auch die beiden weiteren Musiker deutlicher zu erkennen: Martin Cooper an Keyboards und Saxophon sowie Stuart Kershaw am Schlagzeug. Zusammen mit Andy McCluskey und Paul Humphreys bilden sie die vierköpfige Livebesetzung.

Die Anordnung erinnert bewusst an Kraftwerk, eines der großen Vorbilder von OMD. Das anschließende Veruschka könnte allerdings kaum weiter von Kraftwerk entfernt sein. Die Ballade vom jüngsten Album Bauhaus Staircase wirkt zurückhaltend und fein strukturiert. Gerade dieser Gegensatz macht die Szene interessant. Die Bühnenästhetik verweist auf die Vergangenheit, die Musik bleibt in der Gegenwart.

Bilder zur Musik

Die visuelle Gestaltung beschränkt sich dabei nicht auf die Lichtshow. Zu vielen Stücken laufen im Hintergrund Filme, die Motive und Atmosphäre der jeweiligen Songs aufgreifen. Dabei bleibt die Bildsprache meist eher zurückhaltend und ergänzt die Musik, ohne mit ihr zu konkurrieren. Bei anderen Stücken werden die Bezüge konkreter und erweitern damit die Wirkung der Songs um eine zusätzliche Ebene.

Das Zelt spielt dabei ebenfalls eine Rolle. Es dunkelt den Raum bereits während des Konzerts etwas ab, sodass Licht und Projektionen von Anfang an ihre Wirkung entfalten können. Zusammen mit der Architektur entsteht eine visuelle Umgebung, die den Songs Raum gibt, ohne selbst zum eigentlichen Hauptdarsteller zu werden.

Andy McCluskey gibt alles

Während die übrigen Musiker eher ruhig im Hintergrund agieren, übernimmt Andy McCluskey die Bühne vollständig. Mit großen Gesten bewegt er sich vom einen Bühnenrand zum anderen, mal mit Bassgitarre, mal ohne. Der Frontmann wirkt dabei weniger wie der coole Sänger einer elektronischen Popband als wie ein klassischer Rockstar.

Das könnte eigentlich ein Widerspruch sein. OMDs Musik ist häufig präzise, reduziert und kontrolliert. McCluskey dagegen ist körperlich, präsent und manchmal geradezu ausgelassen. Doch genau diese Kombination funktioniert. Die Elektronik bleibt präzise, während die Live-Performance ihr eine deutlich rockigere Seite gibt.

Dazu trägt auch das Schlagzeug bei. Noch stärker verändert sich der Charakter der Stücke, wenn McCluskey den Bass übernimmt. Die Musik bekommt Druck und wirkt körperlicher als viele der Studioaufnahmen.

Das zeigt sich auch an den Reaktionen im Saal. Es wird geklatscht, gesungen und gejubelt. Gleichzeitig bleibt im Programm genügend Raum für Stücke, die weniger vertraut sind. OMD verlassen sich also nicht ausschließlich auf die großen Hits, sondern trauen ihrem Publikum auch die weniger offensichtlichen Momente zu.

Enola Gay und die politische Dimension

Mit Enola Gay folgt schließlich der zweite große Höhepunkt des Abends. Wieder ist es diese Verbindung aus Druck und Melodie, die funktioniert. Das Stück gehört zu den bekanntesten Songs der Band und wird entsprechend enthusiastisch aufgenommen.

Auch die Projektionen unterstreichen diesmal die Bedeutung des Songs. Zunächst ist ein Flugzeug zu sehen, später folgen Bilder von Atompilzen. Damit wird sehr unmittelbar auf den historischen Hintergrund des Stücks und seine Auseinandersetzung mit Krieg und atomarer Aufrüstung verwiesen.

Gerade weil die visuelle Ebene ansonsten eher zurückhaltend eingesetzt wird, wirkt dieser Moment umso stärker. Der bekannte Popsong bekommt dadurch eine zusätzliche politische Schärfe. Das Publikum reagiert mit sichtbarer Begeisterung, während Musik und Bilder für einen Moment eine ungewöhnlich direkte Verbindung eingehen.

Zurück zu den Anfängen

Als das eigentliche Konzert zu Ende geht, führen die Zugaben noch einmal durch verschiedene Phasen der Bandgeschichte. Mit Walking on the Milky Way und Pandora’s Box geht es zunächst in die 1990er Jahre, bevor mit Electricity schließlich die erste Single von OMD erklingt.

Damit geht es noch einmal ganz zurück an den Anfang. Zu einem Song aus den späten 1970er Jahren, als McCluskey und Humphreys noch am Beginn ihrer gemeinsamen musikalischen Geschichte standen.

Über vier Jahrzehnte später klingt Electricity natürlich anders. Nicht unbedingt im Arrangement, sondern in der Art, wie die Band inzwischen mit dem Stück umgeht. Die Erfahrung aus mehr als vier Jahrzehnten Live-Musik ist spürbar. OMD müssen ihr Publikum nicht mehr davon überzeugen, dass ihre Musik funktioniert. Sie wissen genau, wann ein Hit seinen Platz hat, wann ein weniger bekanntes Stück Raum bekommen kann und wann es Zeit ist, noch einmal ganz an den Anfang zurückzugehen.

Während Electricity seine große Melodie noch einmal durch das Amphitheater schickt und bevor die elektronische Ausstattung auf der Bühne langsam abgebaut wird, endet der Abend. Noch einmal wird geklatscht und mitgesungen, bevor sich die Zuschauerinnen und Zuschauer langsam auf den Heimweg machen.

Vielleicht liegt genau darin das Besondere dieses Konzerts: OMD spielen ihre Vergangenheit nicht einfach nach. Sie machen sie hörbar, ohne darin stehen zu bleiben. Die Songs aus den frühen Jahren funktionieren neben den neueren Stücken, weil die Band über all die Jahrzehnte etwas bewahrt hat, das sich nicht an eine bestimmte Zeit bindet: ein außergewöhnliches Gespür für Melodie.

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Mit Circus Maximus formulierte Momus 1986 ein Debütalbum, das sich der damaligen Poplogik demonstrativ entzog. Statt charttauglicher Glätte dominieren akustische Strenge, subtile Synthesizerflächen und eine Ästhetik, die eher an Chanson, Kammerpop und britischen Folk erinnert. Nick Currie entwirft kein Album der schnellen Effekte, sondern ein Werk der Haltung. Die Stücke wirken wie Miniaturen eines größeren Gedankengebäudes, in dem Literatur, Religion und Ironie aufeinandertreffen.

Texte voller Mythen, Satire und Gegenwart

Schon der Opener Lucky Like St. Sebastian setzt den Ton: biblische Motive, verschoben ins Spielerische, formuliert mit intellektueller Schärfe und feinem Witz. Currie greift religiöse und antike Stoffe auf, ohne sie ehrfürchtig zu behandeln. Er zerlegt, spiegelt, überzeichnet. The Day the Circus Came to Town beschreibt die Befreiung einer erstarrten Gemeinschaft und entfaltet dabei eine fast filmische Dynamik zwischen Disziplin und Exzess.

Besonders vielschichtig erscheint The Rape of Lucretia. Der Song lässt sich nicht nur als historische Erzählung lesen, sondern auch als Reflexion über Macht, Moral und politische Ordnungen. Die Zeile „You ushered in democracy, you understood that monarchy / Stands by incest, falls by sexual intercourse“ öffnet eine Deutungsebene, in der Mythos und Staatsidee ineinander greifen. Momus verwandelt Geschichte in Kommentar, Allegorie in Gegenwartsdiagnose.

Paper Wraps Rock verbindet Melancholie mit subversiver Beobachtung. Begehren, Projektion und Distanz verschränken sich zu einer Betrachtung über Unverfügbarkeit und Bildkultur. Das Stück wirkt zugleich verspielt und unheimlich, leichtfüßig und gedankenschwer.

Stimme, Inszenierung, musikalische Balance

Curries Stimme trägt diese Texte mit bemerkenswerter Klarheit. Der Gesang bleibt kontrolliert, beinahe nüchtern, und gewinnt gerade daraus seine Wirkung. Keine pathetische Überhöhung, sondern ein Changieren zwischen Distanz, Eleganz und leiser Provokation. Die akustische Gitarre setzt präzise Akzente, oft scharf angeschlagen, während im Hintergrund Synthesizer eine kühle, atmosphärische Tiefe erzeugen. Diese Balance aus Intimität und artifizieller Weite verleiht dem Album eine eigentümliche Spannung.

Die visuelle Selbststilisierung fügt sich ins Konzept. Momus präsentiert sich nicht als authentischer Bekenntnissänger, sondern als Figur im eigenen ästhetischen System. Pose und Reflexion, Ironie und Ernst stehen gleichberechtigt nebeneinander.

Circus Maximus ist kein makelloses, aber ein außergewöhnlich eigenständiges Debüt. Die Mischung aus literarischer Ambition, satirischer Schärfe und melodischer Zugänglichkeit bleibt bis heute singulär. Momus gelingt es, biblische und antike Bildwelten aus dem Museum zu befreien und in ein lebendiges, widersprüchliches Popuniversum zu überführen.

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Manchmal fühlt sich ein Konzert an wie eine Zeitkapsel. So ein Abend war das im Ponyhof Frankfurt, als Robots of the 80s zum Release ihres zweiten Albums Logic Drama luden. Schon der Name der Band ließ keinen Zweifel daran, wohin die Reise gehen sollte. Es wurde ein Abend im Zeichen der Achtziger, zwischen Nostalgie, Synthesizern und der Frage, wie viel Zukunft in Retro stecken kann.

Den Auftakt machte das Hamburger Minimal Wave Trio Voltarenes, das mit einer Mischung aus New Wave und Neuer Deutscher Welle den Rahmen für den Abend setzte. Ihr Set hätte problemlos in der ersten Hälfte der 1980er Jahre stattfinden können. Kühler Wave, reduzierte Elektronik und eine markante Bassgitarre bestimmten den Sound.

Gerade der Bass verlieh den Songs stellenweise einen deutlichen The Cure Einschlag, besonders in dem Moment, als das Effektgerät ausfiel und der Klang rauer und unmittelbarer wurde. Das tat der Atmosphäre keinen Abbruch, im Gegenteil. Der Auftritt wirkte angenehm ungekünstelt und passte hervorragend zum Konzept des Abends.

Zwischen Retro und Gegenwart

Bei Robots of the 80s selbst wurde das 80er Flair dann etwas gebrochen. Die Bassgitarre klang treibender und direkter, weniger flächig nostalgisch, was die Musik deutlich in die Gegenwart holte. Auch die Beats wirkten moderner, dichter und druckvoller als viele ihrer historischen Vorbilder. Trotzdem blieb der Gesamteindruck klar im Bereich eines 80er Revival verortet, nur eben mit zeitgenössischem Drive.

Musikalisch bewegte sich die Band hörbar im Spannungsfeld zwischen Kraftwerk, den verspielten frühen Phasen von Depeche Mode und The Human League. Analoge Synthflächen trafen auf klare Sequenzen, eingängige Melodien auf maschinenhafte Strukturen. Einige der Melodielinien erinnerten dabei deutlich an Soundtracks früher Computerspiele der 1980er Jahre, mit ihren einfachen, aber einprägsamen Motiven, die sofort Bilder von Pixelgrafik und Heimcomputern wachrufen. Genau dieses Spiel mit Mensch und Maschine, das auch in ihrer Selbstdarstellung eine zentrale Rolle spielt, zog sich durch den gesamten Auftritt.

Bühne wie ein Serverraum

Visuell bot der Auftritt fast ebenso viel wie musikalisch. Im Hintergrund standen zwei große Kästen mit farbig blinkenden Lichtern, die an einen Serverraum erinnerten und die Bühne in ein kaltes, digitales Ambiente tauchten. Wer nach Ankündigung echte Roboter auf der Bühne erwartet hatte, wurde allerdings überrascht. Stattdessen stand mit Heiko Wersing, Keyboarder, Sänger und kreativer Kopf hinter dem Projekt, eine Art menschliche Schnittstelle zwischen Technik und Performance im Mittelpunkt.

Wersing trug einen Spandex Anzug, unter dem zahlreiche kleine Lichter leuchteten, passend zu den Lichtobjekten im Bühnenbild. Der Anzug wirkte beeindruckend, auch wenn das Kabel, das ihn mit Energie versorgte, stets sichtbar blieb. In seiner Gesamterscheinung erinnerte Wersing eher an ein androgynes Wesen aus einer frühen Star Trek oder Doctor Who Folge als an einen Roboter.

Bassist David L. setzte dazu einen bewussten Kontrast. Jeans, T-Shirt, darauf viele kleine Roboter, und zusätzlich ein kleines elektronisches Leuchtschild mit der Aufschrift „Mensch“. Dieses augenzwinkernde Spiel mit Rollenbildern und Identitäten war eines der stärksten visuellen Elemente des Abends.

Tanzbarer Maschinenpop

Im Laufe des Konzerts entwickelte die Band einen immer dichteren Groove. Das Publikum ließ sich zunehmend mitziehen, bis in den vorderen Reihen fast durchgehend getanzt oder zumindest deutlich im Rhythmus mitgegangen wurde. Der Ponyhof verwandelte sich für eine Weile fast in eine kleine Retro-Disco mit Zukunftsvision.

Auf Dauer etwas anstrengend wirkten allerdings die permanent eingesetzten Vocoder-Vocals, die stark an Roboterstimmen erinnerten. Was als stilistisches Mittel gedacht war, verlor über die Länge des Sets etwas an Wirkung und nahm den Songs stellenweise emotionale Nuancen.

Mehr als nur 80er Zitat

Trotz aller Nostalgie blieb der Eindruck, dass Robots of the 80s mehr wollen als reine Rückschau. Ihr Sound greift die Ästhetik des Synthpop der 80er auf, verbindet sie aber mit moderner Produktion und thematischer Aktualität. Zwischen tanzbaren Sequenzen, blinkender Elektronik und der Frage nach dem Verhältnis von Mensch, Maschine und KI entstand ein stimmiges Gesamtkonzept, das sowohl Retro-Fans als auch Freunde zeitgenössischer elektronischer Musik ansprechen dürfte.

Der Abend im Ponyhof war damit nicht nur eine Reise zurück, sondern auch ein Blick nach vorn. Genau in diesem Spannungsfeld funktionieren Robots of the 80s am besten.

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