Cosmic Tones for Mental Therapy gehört zu jenen Sun Ra Alben, die sich einer schnellen Einordnung entziehen und gerade darin ihre nachhaltige Wirkung entfalten. 1963 aufgenommen und erst 1967 auf dem hauseigenen Saturn Label veröffentlicht, wirkt die Platte wie ein Vorgriff auf Entwicklungen, die später unter Begriffen wie Psychedelic, Space Funk oder Dub verhandelt wurden. Sun Ra und sein Myth Science Arkestra entwerfen kein klassisches Jazzalbum, sondern einen schwebenden, rätselhaften Klangraum, der mehr mit Wahrnehmung als mit Konvention arbeitet.

Zwischen Atonalität, Echo und Groove

Bereits „And Otherness“ setzt ein Zeichen. Der Titel wirkt programmatisch, die Musik selbst noch deutlicher. Atonale Bläserlinien, ein Saxophon, das eher quietscht als singt, und der permanente Eindruck, dass sich eine Melodie aus dem Geräusch schälen möchte, nur um im nächsten Moment wieder im klanglichen Strudel zu versinken. Hier wird Spannung nicht aufgebaut, sondern freigelegt. Ordnung erscheint als Möglichkeit, nicht als Ziel.

„Adventure-Equation“ verschiebt die Perspektive. Der ausgeprägte Echoeffekt auf dem Schlagzeug erzeugt eine rhythmische Tiefe, die erstaunlich nah an spätere Dub Ästhetiken heranreicht. Die Drums wirken wie Signale aus einem imaginären Raum, während Bläser und Orgel darüber gleiten. Das Stück klingt nach Expedition, nach Bewegung ohne festen Boden. Rhythmus wird nicht nur getragen, sondern gespiegelt, verzögert, in neue Dimensionen verlängert.

Mit „Moon Dance“ öffnet sich schließlich ein zugänglicherer Moment. Noch in exotischen Klangfarben verwurzelt, zugleich von einem subtilen Funk durchzogen. Der Bass pulsiert, die Percussion schichtet sich, und plötzlich besitzt diese zuvor so abstrakte Klangwelt eine fast körperliche Direktheit. Sun Ra gelingt hier eine Balance aus Fremdheit und Sogwirkung.

Kontext, Legenden und Nachhall

Die Entstehungsgeschichte des Albums ist ebenso faszinierend wie die Musik selbst. Teile der Aufnahmen entstanden im New Yorker Umfeld des Arkestra, andere in einem Brooklyner Club am Vormittag, ermöglicht durch den freien Zugang zu einer Hammond B-3 Orgel. Solche Details verstärken den Eindruck einer Produktion, die aus Improvisation, Gelegenheit und Vision gleichermaßen gespeist wird.

Auch die oft erzählte Anekdote über ein frühes Konzert 1957 im Edward Hines, Jr. VA Hospital in Chicago gehört zu diesem Mythos. Der Legende nach soll eine zuvor verstummte Patientin nach der Aufführung irritiert gefragt haben, ob man das tatsächlich Musik nennen könne. Ob Fakt oder Erzählung, die Geschichte passt bemerkenswert gut zur ästhetischen Haltung des Albums. Irritation erscheint hier nicht als Scheitern, sondern als notwendige Reaktion auf etwas radikal Neues.

Rückblickend lässt sich Cosmic Tones for Mental Therapy als Wegweiser lesen. Die Platte deutet psychedelische Texturen an, nimmt funkige Grooves vorweg und arbeitet mit Echo und Raum als eigenständige Gestaltungsmittel. Vor allem aber formuliert sie eine Idee von Musik, die sich von festen Strukturen löst und stattdessen Stimmungen, Farben und Wahrnehmungszustände erkundet. Ein forderndes, eigenwilliges, bis heute erstaunlich zeitloses Werk.

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Kann Morrissey heute noch überzeugen? Diese Frage begleitet wohl viele, die sich für eines seiner Konzerte entscheiden. Der ehemalige Sänger der Smiths polarisiert seit Jahren, nicht nur musikalisch. Politisch fragwürdige Äußerungen haben zahlreiche Fans enttäuscht, dennoch bleibt die künstlerische Substanz unbestritten. Die Smiths gelten bis heute als eine der bedeutendsten britischen Gitarrenpopbands, auch Morrisseys frühe Soloalben haben ganze Generationen durch melancholische Phasen begleitet. Grund genug, die Jahrhunderthalle in Frankfurt gut zu füllen.

Die Anreise gestaltete sich mühsam. Stau auf dem Parkplatz, überhöhte Parkgebühren und anschließend lange Warteschlangen an den Getränkeständen prägten den Auftakt. Besonders ärgerlich: Die Stände akzeptieren entweder nur Kartenzahlung oder Bargeld, ersichtlich jedoch erst direkt an der Kasse. Wer die falsche Reihe wählt, darf sich erneut anstellen. Bei der Rückgabe nach dem Konzert waren sogar nur noch vier Stände geöffnet um das nicht unerhebliche Pfand von drei Euro pro Plastikbecher einzutreiben. Keine optimale Einstimmung.

Film statt Vorband

Pünktlich um 20 Uhr begann das Konzert jedoch nicht mit Musik, sondern mit Film. Fast 40 Minuten Videoclips und Filmausschnitte flimmerten über die Leinwand. Von den Stooges, Ramones und New York Dolls über Sigue Sigue Sputnik und Kid Creole & the Coconuts bis hin zu Gene Pitney und Judy Garland. Eine eigenwillige kuratorische Entscheidung, die Morrisseys ästhetische Referenzen offenlegt, zugleich aber Geduld verlangt. Einigen im Publikum wurde die Warterei sichtbar zu lang. Eine klassische Vorband hätte womöglich mehr Dynamik erzeugt.

Klassiker und Raritäten

Als Morrissey schließlich die Bühne betrat, eröffnete er mit Billy Budd und I Just Want to See the Boy Happy, zwei eher rockigen Stücken, die Energie aufbauten. Mit How Soon Is Now? folgte bereits der erste große Smiths-Klassiker, spätestens jetzt stand das Publikum geschlossen hinter ihm. Weitere Höhepunkte aus der Smiths-Ära folgten strategisch verteilt über den Abend: Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me und A Rush and a Push and the Land Is Ours erinnerten an jene Phase, in der Morrissey und Johnny Marr pophistorische Standards setzten.

Die Setlist war jedoch keine nostalgische Hitparade. Morrissey griff tief in seine Soloalben, spielte Album Tracks und B-Seiten aus älteren Alben wie Ringleader of the Tormentors oderVauxhall and I. Drei Songs vom neuen Album Make-Up Is a Lie, das im März erscheinen wird, wurden ebenfalls präsentiert. Während die rockigeren Eröffnungsnummern und Klassiker wie How Soon Is Now? Energie aufbauten, legte der Abend insgesamt einen Schwerpunkt auf ruhigere, introspektive Momente. Morrissey gab den perfekten Crooner, souverän, emotional präzise und stimmlich überraschend stark.

In der zweiten Konzerthälfte folgte das erwartete Doppelpack: Everyday Is Like Sunday und Suedehead direkt hintereinander, für viele im Publikum wohl der emotionale Höhepunkt. Doch gleich danach bewies Morrissey bei Life Is a Pigsty, dass seine stimmlichen Fähigkeiten weit über bloße Nostalgie hinausreichen. Die schwierigen Melodiepassagen meisterte er mit Leichtigkeit und spürbarer Hingabe.

Beeindruckend auch Jack the Ripper, die B-Seite von Certain People I Know. Die Bühne tauchte in rotes Licht, dichter Nebel verschluckte die Musikerinnen und Musiker nahezu vollständig. Eine intensive, fast theatralische Inszenierung, die den morbiden Text visuell verstärkte.

Während des gesamten Konzerts liefen Filmloops auf der großen Leinwand, die über die gesamte Bühne gespannt war. Die Bilder waren passend zu den Stücken ausgewählt und verstärkten die emotionale Wirkung. Allerdings hing die Leinwand etwas tief, wodurch der Eindruck entstand, sie berühre beinahe die Köpfe der Musikerinnen und Musiker. Eine technische Kleinigkeit, die jedoch auffiel.

Ein letzter Lichtstrahl

Als Zugabe folgte lediglich ein einziges Stück: There Is a Light That Never Goes Out. Ein letzter Rückgriff auf die Smiths-Ära, trotz seiner Melancholie ein erhebender Moment, der das Publikum nochmals vollständig einfing. Ein würdiger Abschluss für einen Abend, der zwar schnellere Nummern und bekannte Hits bot, jedoch seinen Schwerpunkt auf intime, stimmlich anspruchsvolle Momente legte.

Morrissey lieferte ein solides, stellenweise berührendes Konzert. Die Songauswahl bevorzugte ruhigere Töne gegenüber den schnelleren Pop-Nummern, was dem Abend eine intime Qualität verlieh, die in einer großen Halle nicht ganz zur Geltung kam. Ein kleinerer Rahmen hätte der Darbietung womöglich besser entsprochen. Stimmlich überzeugte Morrissey durchweg, die visuelle Inszenierung unterstützte die Songs wirkungsvoll, wenn auch nicht perfekt umgesetzt. Die organisatorischen Mängel rund um Parkplatz und Getränkeversorgung trübten das Erlebnis leicht, änderten jedoch nichts daran, dass Morrissey auch 2026 noch ein eindrucksvoller Live-Künstler ist, vorausgesetzt, das Publikum lässt sich auf seine eigenwilligen Entscheidungen ein.

Der Beitrag Morrissey live in der Jahrhunderthalle Frankfurt, 17.02.2026 erschien zuerst auf Main Kritik.

Der kleine Dreikönigskeller war ausverkauft, das Publikum stand dicht gedrängt, die Luft warm, die Erwartung spürbar. Den Auftakt übernahm das Wright Valley Trio aus Wiesbaden, das mit schwerem Doom Metal den Raum sofort auf Betriebstemperatur brachte. Verzerrte Gitarren, langsame, wuchtige Riffs und eine Ästhetik, die deutlich an die frühen Neunziger erinnerte, an Bands wie Melvins oder Neurosis, deren Einfluss bis heute nachhallt.

Zwischen Drone, Doom und Feedback

Dass diese Tradition auch im Sound von Nadja nachwirkt, wurde später am Abend hörbar, allerdings in deutlich abstrakterer Form. Die Kanadier Aidan Baker und Leah Buckareff, inzwischen von Berlin aus aktiv, haben das Sludge- und Doom-Vokabular längst mit Ambient, Drone und experimentellen Texturen angereichert. Seit der Gründung als Duo im Jahr 2005 bewegt sich ihre Musik konsequent zwischen massiver Verdichtung und beinahe meditativer Auflösung.

Die Bühne war funktional geteilt. Ein zentrales Rack aus Effektgeräten bildete die technische Schaltstelle. Links stand Baker mit Gitarre, ständig zwischen Instrument und Pedalen wechselnd, Sounds modellierend, Schichten aufbauend.

Rechts befand sich Buckareff am Bass, oft mit dem Rücken zum Publikum, ganz in die Klangarbeit versunken.

Rotes und blaues Licht tauchte den Raum in eine diffuse, fast traumartige Atmosphäre. Ein Hauch Nebel verstärkte die visuelle Entrückung, während die Diskokugel über der Bühne einen leicht surrealen Kontrapunkt setzte.

Der Beginn des Sets geriet überraschend zurückhaltend. Vereinzelte Klangflächen, tastende Drones, fragile Strukturen. Doch die Ruhe war nur ein Vorspiel. Allmählich verdichteten sich Feedbackschichten, Gitarren wurden lauter, der Sound rauer, schmutziger, körperlicher. Nadja bauten ihre typischen Klangwände nicht abrupt, sondern organisch auf. Frequenzen schoben sich übereinander, Resonanzen begannen zu vibrieren, der Raum selbst schien Teil der Komposition zu werden. Teilweise spielte Baker Passagen mit dem Geigenbogen und entlockte der Gitarre langgezogene, fast körperlose Töne, die sich wie Nebelschwaden über die bereits dichten Klangflächen legten.

Die programmierten Drums wirkten dabei zunächst wie ein Fremdkörper, beinahe irritierend inmitten der fließenden Drone-Texturen. Gleichzeitig verliehen sie den Stücken eine unterschwellige Struktur, einen Puls, an dem sich das Ohr festhalten konnte. Was puristisch vielleicht verzichtbar schien, erwies sich live als Brücke: Der Rhythmus erdete die Klangflächen, machte die komplexen Schichtungen zugänglicher, ohne ihre Intensität zu mindern.

Klangwände statt Bühnenblick

Von weiter hinten, was im Dreikönigskeller nur wenige Meter bedeutet, verschwand die Band nahezu hinter den Köpfen der Zuschauer. Die niedrige Bühne ließ kaum Sicht, dafür aber umso mehr Konzentration auf den Sound. Ein Zustand, der der Musik entgegenkam. Ohne visuelle Ablenkung ließ man sich leichter in die langsamen Wellenbewegungen ziehen, in das Dröhnen, Flirren und Grollen der Gitarren.

Vereinzelt tauchten Vocals auf, mehr Textur als Stimme, im dichten Klang fast bis zur Unhörbarkeit eingebettet. Ob ästhetische Entscheidung oder Mischungssache blieb offen, störte jedoch kaum. Nadjas Musik braucht keine klaren Gesangslinien, sie funktioniert als Atmosphäre, als physische Erfahrung, als kontrollierter Lärm mit hypnotischem Sog.

Das Publikum spiegelte diese Vielschichtigkeit wider. Etwa zur Hälfte klassische Metal-Fans, zur anderen Hälfte ein alternativ geprägtes, experimentierfreudiges Publikum. Die Zugabe bediente schließlich auch die Bedürfnislage der Härtefraktion: ein Stück mit spürbar mehr Druck, das fast zum headbanging animierte.

Nach gut einer Stunde endete der Auftritt. Ein Set, das ebenso gut hätte weiterfließen können, bis zur völligen Auflösung des Zeitgefühls. So blieb ein intensiver, leicht entrückter Eindruck zurück: ein Abend zwischen Enge, Lärm und jener eigentümlichen Trance, die nur Bands wie Nadja erzeugen können.

Der Beitrag Nadja live im Dreikönigskeller Frankfurt, 13.02.2026 erschien zuerst auf Main Kritik.

Manchmal fühlt sich ein Konzert an wie eine Zeitkapsel. So ein Abend war das im Ponyhof Frankfurt, als Robots of the 80s zum Release ihres zweiten Albums Logic Drama luden. Schon der Name der Band ließ keinen Zweifel daran, wohin die Reise gehen sollte. Es wurde ein Abend im Zeichen der Achtziger, zwischen Nostalgie, Synthesizern und der Frage, wie viel Zukunft in Retro stecken kann.

Den Auftakt machte das Hamburger Minimal Wave Trio Voltarenes, das mit einer Mischung aus New Wave und Neuer Deutscher Welle den Rahmen für den Abend setzte. Ihr Set hätte problemlos in der ersten Hälfte der 1980er Jahre stattfinden können. Kühler Wave, reduzierte Elektronik und eine markante Bassgitarre bestimmten den Sound.

Gerade der Bass verlieh den Songs stellenweise einen deutlichen The Cure Einschlag, besonders in dem Moment, als das Effektgerät ausfiel und der Klang rauer und unmittelbarer wurde. Das tat der Atmosphäre keinen Abbruch, im Gegenteil. Der Auftritt wirkte angenehm ungekünstelt und passte hervorragend zum Konzept des Abends.

Zwischen Retro und Gegenwart

Bei Robots of the 80s selbst wurde das 80er Flair dann etwas gebrochen. Die Bassgitarre klang treibender und direkter, weniger flächig nostalgisch, was die Musik deutlich in die Gegenwart holte. Auch die Beats wirkten moderner, dichter und druckvoller als viele ihrer historischen Vorbilder. Trotzdem blieb der Gesamteindruck klar im Bereich eines 80er Revival verortet, nur eben mit zeitgenössischem Drive.

Musikalisch bewegte sich die Band hörbar im Spannungsfeld zwischen Kraftwerk, den verspielten frühen Phasen von Depeche Mode und The Human League. Analoge Synthflächen trafen auf klare Sequenzen, eingängige Melodien auf maschinenhafte Strukturen. Einige der Melodielinien erinnerten dabei deutlich an Soundtracks früher Computerspiele der 1980er Jahre, mit ihren einfachen, aber einprägsamen Motiven, die sofort Bilder von Pixelgrafik und Heimcomputern wachrufen. Genau dieses Spiel mit Mensch und Maschine, das auch in ihrer Selbstdarstellung eine zentrale Rolle spielt, zog sich durch den gesamten Auftritt.

Bühne wie ein Serverraum

Visuell bot der Auftritt fast ebenso viel wie musikalisch. Im Hintergrund standen zwei große Kästen mit farbig blinkenden Lichtern, die an einen Serverraum erinnerten und die Bühne in ein kaltes, digitales Ambiente tauchten. Wer nach Ankündigung echte Roboter auf der Bühne erwartet hatte, wurde allerdings überrascht. Stattdessen stand mit Heiko Wersing, Keyboarder, Sänger und kreativer Kopf hinter dem Projekt, eine Art menschliche Schnittstelle zwischen Technik und Performance im Mittelpunkt.

Wersing trug einen Spandex Anzug, unter dem zahlreiche kleine Lichter leuchteten, passend zu den Lichtobjekten im Bühnenbild. Der Anzug wirkte beeindruckend, auch wenn das Kabel, das ihn mit Energie versorgte, stets sichtbar blieb. In seiner Gesamterscheinung erinnerte Wersing eher an ein androgynes Wesen aus einer frühen Star Trek oder Doctor Who Folge als an einen Roboter.

Bassist David L. setzte dazu einen bewussten Kontrast. Jeans, T-Shirt, darauf viele kleine Roboter, und zusätzlich ein kleines elektronisches Leuchtschild mit der Aufschrift „Mensch“. Dieses augenzwinkernde Spiel mit Rollenbildern und Identitäten war eines der stärksten visuellen Elemente des Abends.

Tanzbarer Maschinenpop

Im Laufe des Konzerts entwickelte die Band einen immer dichteren Groove. Das Publikum ließ sich zunehmend mitziehen, bis in den vorderen Reihen fast durchgehend getanzt oder zumindest deutlich im Rhythmus mitgegangen wurde. Der Ponyhof verwandelte sich für eine Weile fast in eine kleine Retro-Disco mit Zukunftsvision.

Auf Dauer etwas anstrengend wirkten allerdings die permanent eingesetzten Vocoder-Vocals, die stark an Roboterstimmen erinnerten. Was als stilistisches Mittel gedacht war, verlor über die Länge des Sets etwas an Wirkung und nahm den Songs stellenweise emotionale Nuancen.

Mehr als nur 80er Zitat

Trotz aller Nostalgie blieb der Eindruck, dass Robots of the 80s mehr wollen als reine Rückschau. Ihr Sound greift die Ästhetik des Synthpop der 80er auf, verbindet sie aber mit moderner Produktion und thematischer Aktualität. Zwischen tanzbaren Sequenzen, blinkender Elektronik und der Frage nach dem Verhältnis von Mensch, Maschine und KI entstand ein stimmiges Gesamtkonzept, das sowohl Retro-Fans als auch Freunde zeitgenössischer elektronischer Musik ansprechen dürfte.

Der Abend im Ponyhof war damit nicht nur eine Reise zurück, sondern auch ein Blick nach vorn. Genau in diesem Spannungsfeld funktionieren Robots of the 80s am besten.

Der Beitrag Robots of the 80s live im Ponyhof Frankfurt 30.01.2026 erschien zuerst auf Main Kritik.

An diesem Montag war in Frankfurt gefühlt schon lange nicht mehr so viel Schnee gefallen. Die Temperatur lag knapp über dem Gefrierpunkt, sodass sich in den Straßen schnell brauner Schneematsch sammelte. Für alle, die mit dem Nahverkehr anreisten, hieß das: Verzögerungen sind vorprogrammiert – was für den Abend im Zoom wohl Programm bleiben sollte. Die Band traf ebenfalls verspätet ein und auch der Einlass verzögerte sich.

Beim Betreten des Zoom wurden die ersten Gäste zunächst in einen Nebenraum mit Bar geleitet, wo nur Notfall-Getränke wie Bier und ein paar Flaschen Softdrinks verkauft wurden. Aus dem Konzertsaal war bereits der Soundcheck zu hören. Gegen 20:00 Uhr, also zur ursprünglich angekündigten Startzeit, rannte ein Mitarbeiter durch den Raum und verkündete die Öffnung des Konzertsaals. Schließlich begann das Konzert etwa 30 Minuten später als geplant.

Das Publikum war überwiegend männlich und aus dem näheren und weiteren Umfeld einer Generation, die Tortoise bereits in den 1990er Jahren entdeckt hatte. Das ist keine Überraschung, denn die Band aus Chicago prägte mit ihrem genreübergreifenden Sound eine ganze Ära der Independent-Musik. Ohne Sänger und mit einem Mix aus Rock, Jazz, elektronischen Elementen, organischer Percussion und experimentellem Ansatz schufen sie ein eigenes Universum, für das der Begriff Post-Rock oft herangezogen wurde. Tortoise gelten bis heute als eine der zentralen Einflussquellen dieses Sounds.

Jeff Parker: der Gitarrist, der fehlte

Auffällig war, dass Jeff Parker bei diesem Konzert nicht auf der Bühne stand. Parker ist seit vielen Jahren ein prägender Teil von Tortoise und maßgeblich am Sound beteiligt. Laut Berichten wurde er auf der aktuellen Europa-Tour durch einen anderen Gitarristen ersetzt, nachdem er die ersten Shows ausgelassen hatte. Hintergrund sind offenbar andere musikalische Verpflichtungen und persönliche Gründe, unter anderem Engagements mit anderen Projekten, die ihn aktuell stärker beanspruchen. Offizielle Aussagen der Band zu seinem Fehlen liegen bisher nicht vor, aber es scheint eher eine temporäre Auszeit von der Tour als ein endgültiger Ausstieg zu sein.

Trotz seiner Abwesenheit lieferte die verbliebene Formation ein energiegeladenes, intensives Konzert, getragen von einem präzisen Groove und beeindruckender Instrumentalkohärenz. Die Musiker standen eher konzentriert auf der Bühne und wirkten völlig im Moment versunken. Das Publikum hingegen lauschte aufmerksam und eher andächtig, als dass es ausgelassen mitging. Dennoch war die Begeisterung spürbar.

Sound, Stil und Set

Tortoise verlangen seinem Publikum eine gewisse Bereitschaft ab: Es muss sich auf die Musik einlassen, auf die permanenten Instrumentenwechsel, die texturreichen Arrangements und die dynamischen Dialoge zwischen Gitarre, Bass, Drums, Glockenspiel und elektronischen Schichten. Besonders faszinierend war das Spiel mit zwei Schlagzeugern, die rhythmisch miteinander verwoben eine Vielzahl subtiler Patterns entwickelten. Abseits davon geschah auf der Bühne wenig Show im klassischen Sinne. Es ging vielmehr um den Sound, auf den Punkt gespielt und ohne Schnörkel.

Ein Großteil des Sets bestand aus Stücken des aktuellen Albums „Touch“, das im Herbst 2025 erschien und Tortoise nach fast zehn Jahren wieder mit neuem Material zurückbrachte. Klassiker wie „Glass Museum“, „Monica“ und „The Equator“ vom ikonischen Album „TNT“ durften natürlich nicht fehlen und sorgten für vertraute, mitreißende Momente.

Die Mischung aus neuen und bekannten Stücken machte es leicht, sich von der Musik aufsaugen zu lassen. Tortoise-Songs entfalten ihre Wirkung nicht im schnellen Konsum, sondern im genauen Hinhören: Schicht für Schicht offenbart sich eine Welt, die zwischen Improvisation, Struktur und klanglicher Offenbarung changiert.

Mehr als Nostalgie

Nach einem beeindruckenden Konzertabend ging es wieder hinaus in den winterlichen Schneematsch von Frankfurt. Was bleibt, ist jedoch mehr als die Erinnerung an eine Band, die für einen großen Teil des Publikums seit den 1990er Jahren präsent ist. Tortoise zeigten an diesem Abend, dass ihr Ansatz auch heute noch trägt. Ihre Musik wirkt weiterhin eigenständig, detailreich und abseits schnell konsumierbarer Trends.

Für Fans und Neuentdecker bot der Abend ein eindrucksvolles Beispiel dafür, warum Tortoise bis heute zu den prägenden Bands im Feld der experimentellen Instrumentalmusik zählen. Ihre Live-Performance ist keine flüchtige Unterhaltung, sondern ein Erlebnis, das Zeit und Aufmerksamkeit verlangt und genau darin seine Stärke entfaltet.

Der Beitrag Tortoise live im Zoom Frankfurt 26.01.2026 erschien zuerst auf Main Kritik.