Landschaft nach dem Brand

Die Motive der Ausstellung erscheinen zunächst eindeutig: kahle Bäume und Sträucher, verbrannte Landschaften, gelegentlich nur noch Hügelsilhouetten vor glühendem Himmel. Die intensiven Rottöne erinnern an Feuer und an Blätter, die den Flammen bereits zum Opfer gefallen sind. In manchen Arbeiten bleibt nur noch die Landschaft selbst zurück, ihre Struktur, ihre Topografie, aber kaum noch sichtbares Leben.

Die zunehmenden Hitzewellen der vergangenen Jahre erscheinen hier nicht als abstrakte Nachrichtenbilder, sondern als malerische Erfahrung. Sabine Dächert verzichtet auf romantische Naturdarstellungen. Stattdessen beobachtet sie aufmerksam die Veränderungen der Landschaft. Ihre Arbeiten wirken wie stille Bestandsaufnahmen einer Natur, die sich sichtbar verändert.

Doch die Ausstellung erschöpft sich nicht in dieser Beobachtung. Die wenigen Arbeiten in kühlen Blau- und Grautönen eröffnen eine zweite Perspektive. Wo Hitze vorherrscht, verändert sich auch der Wasserkreislauf. Schnee, Regen und Wasser stehen den feurigen Bildern gegenüber und machen die zunehmenden Extreme des Klimas sichtbar. Nicht Nostalgie bestimmt diese Arbeiten, sondern das Spannungsverhältnis einer Landschaft, die aus dem Gleichgewicht geraten ist.

Schichtung und Transparenz

Für Dächerts Bildsprache ist ihre Arbeitsweise von zentraler Bedeutung. Collage, Fotografie und Malerei gehen ineinander über und verlieren ihre festen Grenzen. Fotografien von Naturfragmenten, Geäst, Blättern oder Wurzeln überträgt sie auf hauchdünne Seidenpapiere. Daraus entstehen fragile Bildräume, in denen sich Fotografien und Farbflächen überlagern. Jede Schicht kann enthüllen oder verhüllen.

Die Schichtung bleibt dabei niemals bloße Technik. Sie folgt einer klaren künstlerischen Idee. Naturfragmente überlagern sich, verschwinden teilweise und treten an anderer Stelle erneut hervor. Dadurch erzählen die Arbeiten von Veränderung und Vergänglichkeit. Blätter verlieren ihre ursprüngliche Funktion und werden zu fotografischen Strukturen, die zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion schweben.

Minimalistisches Gleichgewicht

Besonders eindrucksvoll sind die minimalistischen Arbeiten der Serie Temperatur der Landschaft. Im Studio arrangiert Dächert transparente Folien und Licht zu reduzierten Landschaftsräumen. Leerstellen, Farbflächen und klare Formen eröffnen Bilder, die viel Raum für eigene Assoziationen lassen. Wo andere Künstlerinnen und Künstler jede Fläche füllen, nutzt Dächert bewusst die Kraft des Weglassens.

Gerade darin liegt der Kontrast zu den vielschichtigen Collagen. Während die Seidenpapierarbeiten durch ihre zahlreichen Ebenen ein dichtes Bildgewebe entstehen lassen, laden die Fotografien zum ruhigen Betrachten ein.

Das Auge kann wandern, verweilen und eigene Zusammenhänge entdecken. Der Wechsel zwischen Dichte und Leere verleiht der Ausstellung eine überzeugende innere Dramaturgie.

Auch die klaren Kanten vieler Arbeiten tragen dazu bei. Nichts wird harmonisiert oder weichgezeichnet. Zwischen Farben und Bildschichten bleiben sichtbare Grenzen bestehen. Rot und Blau begegnen sich, ohne ineinander aufzugehen. Gerade diese Spannung verleiht den Arbeiten ihre Kraft.

Feuer als Ambivalenz

Bereits der Ausstellungstitel Die Farben des Feuers und des Lichts verweist auf eine doppelte Bedeutung. Feuer steht gleichermaßen für Zerstörung und Erneuerung, für Gefahr und Energie. Diese Ambivalenz zieht sich durch die gesamte Ausstellung. Sabine Dächert vermeidet einfache Wertungen. Weder romantisiert sie die Natur, noch reduziert sie sie auf ein Katastrophenszenario.

Die poetischen Strukturen, von denen die Künstlerin spricht, entstehen deshalb nicht aus Sentimentalität, sondern aus genauer Beobachtung. Ein verkohltes Blatt auf Seidenpapier wird zum Dokument einer Veränderung. Ein roter Himmel erscheint als Bild einer Wirklichkeit, die sich sichtbar wandelt.

Eine Ästhetik der Aufmerksamkeit

Die Farben des Feuers und des Lichts ist nicht die erste Ausstellung, die sich mit den Folgen des Klimawandels beschäftigt. Dächerts Ansatz unterscheidet sich jedoch deutlich von vielen anderen Positionen. Sie arbeitet weder moralisierend noch appellativ. Stattdessen fordert sie dazu auf, genauer hinzusehen. Die Ausstellung macht sichtbar, dass selbst Hitzewellen, Dürre oder verbrannte Landschaften eigene Formen und Bildsprachen hervorbringen.

So entsteht eine ökologische Ästhetik, die auf Aufmerksamkeit statt auf Belehrung setzt. Die transparenten Schichtungen ihrer Collagen eröffnen immer neue Blickwinkel und laden dazu ein, dieselben Arbeiten mehrfach zu betrachten.

Im Nebbienschen Gartenhaus entfaltet diese Präsentation eine besondere Wirkung. Der intime Ausstellungsraum wird zu einem Ort konzentrierter Wahrnehmung, an dem sich die Farbtemperaturen unserer Gegenwart unmittelbar erfahren lassen. Wer sich Zeit für Sabine Dächerts Ausstellung nimmt, wird gleichermaßen verunsichert und fasziniert. Gerade darin liegt die Stärke einer künstlerischen Praxis, die das Sehen ernst nimmt.

Der Beitrag Sabine Dächert: Die Farben des Feuers und des Lichts erschien zuerst auf Main Kritik.