Jubiläum folgt auf Jubiläum. Als die Pixies vor mehr als fünfzehn Jahren in der Frankfurter Jahrhunderthalle gastierten, stand das 20-jährige Jubiläum von Doolittle im Mittelpunkt. Diesmal ist der Anlass ein anderer: Vierzig Jahre Pixies. Vier Jahrzehnte einer Band, die wie kaum eine andere die Entwicklung des Alternative Rock geprägt hat.

Die Gruppe, die am Abend des 2. Juli 2026 die Bühne betritt, entspricht dabei längst nicht mehr der Originalbesetzung. Bassistin Kim Deal hat die Band bereits vor Jahren verlassen. Nach mehreren Wechseln steht heute Emma Richardson am Bass. Dennoch wirkt die Identität der Pixies erstaunlich intakt. Der charakteristische Klang, die Dynamik zwischen Melodie und Lärm, zwischen Kontrolle und Kontrollverlust, ist weiterhin unverkennbar.

Vor den Pixies eröffnete das junge Duo Gans den Abend, das sich live als Trio präsentierte. Die Musiker sprangen über die Bühne, suchten die Nähe zum Publikum und lieferten eine energiegeladene Mischung aus Punk, No Wave und experimentellen Elementen. Saxophon, Flöte und elektronische Effekte ergänzten die klassische Rockbesetzung. Musikalisch erinnerte das an eine Begegnung von The Clash und James Chance & The Contortions. Trotz aller Wildheit blieb dabei eine überraschende Verspieltheit erhalten. Ein Support-Act, der Aufmerksamkeit einforderte und verdiente.

Einfluss als Gewicht

Als die Pixies die Bühne betraten, veränderte sich die Atmosphäre spürbar. Hier stand keine Band, die sich auf vergangene Erfolge beruft. Vielmehr wirkte der Auftritt wie die selbstverständliche Präsenz einer Gruppe, deren Einfluss längst Teil der Musikgeschichte geworden ist.

Die drei verbliebenen Mitglieder der klassischen Besetzung spielten mit einer Souveränität, die keiner großen Gesten bedurfte. Die Songs demonstrierten einmal mehr, was die Pixies in den späten 1980er Jahren so besonders machte: die Verbindung von Surf Rock, Punk, Popmelodie und Noise zu einer eigenständigen musikalischen Sprache.

Der Einfluss dieser Musik ist kaum zu überschätzen. Nirvana übernahmen das Wechselspiel aus Laut und Leise, Radiohead die Bereitschaft zur klanglichen Grenzüberschreitung, David Bowie bekannte sich offen als Bewunderer. Die Geschichte des Alternative Rock lässt sich kaum erzählen, ohne die Pixies mitzudenken.

Black Francis‘ Stimme besitzt dabei noch immer jene markante Präsenz, die die Songs seit Jahrzehnten prägt. Die Gitarren wechseln mühelos zwischen Zurückhaltung und Eruption, zwischen harmonischer Klarheit und kontrolliertem Chaos. Die Handschrift bleibt unverwechselbar.

Die Doolittle-Fokussierung

Der Schwerpunkt des Abends lag deutlich auf den frühen Jahren der Band. Allein elf Songs stammten von Doolittle, jenem Album, das für viele als kreativer Höhepunkt der Pixies gilt.

Das Publikum nahm diese Entscheidung dankbar an. Nicht nur die großen Klassiker wie „Debaser“ oder „Monkey Gone to Heaven“ wurden begeistert aufgenommen. Die Reaktionen zeigten vielmehr die anhaltende Wertschätzung für das Album als Ganzes.

Auch andere frühe Veröffentlichungen waren vertreten. Come On Pilgrim, Surfer Rosa und Bossanova fanden ihren Platz in der Setlist. Die späteren Alben hingegen spielten eine deutlich geringere Rolle. Das mag zunächst überraschen, ergibt im Kontext des Jubiläums jedoch Sinn. Vierzig Jahre nach der Gründung schien es den Pixies weniger darum zu gehen, eine vollständige Werkschau zu präsentieren, als vielmehr jene Phase in den Mittelpunkt zu stellen, in der ihre ästhetische Sprache entstand.

Natürlich bleibt die Frage, ob einige der neueren Stücke mehr Aufmerksamkeit verdient hätten. Doch der Abend machte zugleich deutlich, wie außergewöhnlich stark dieser frühe Katalog bis heute wirkt. Viele der Songs haben nichts von ihrer Spannung verloren. Sie klingen nicht wie historische Dokumente, sondern weiterhin lebendig und gegenwärtig.

David Lynch und die Atmosphäre des Unheimlichen

Einen besonders stimmungsvollen Moment bildete „In Heaven (Lady in the Radiator Song)“ aus David Lynchs Film Eraserhead. Die Bühne tauchte in dunkles Blau, während der Hintergrundvorhang Assoziationen an die ikonischen Bildwelten von Twin Peaks hervorrief.

Angesichts des Todes des Regisseurs wirkte die Interpretation wie eine stille Verbeugung vor einem Künstler, dessen Einfluss auf die ästhetische Welt der Pixies immer spürbar gewesen ist. Nicht als großes Statement, sondern als respektvolle Geste. Die Nähe zwischen Lynch und den Pixies liegt schließlich nicht in direkten Zitaten, sondern in einer gemeinsamen Sensibilität für das Surreale, das Verstörende und das Geheimnisvolle.

Die Setlist als Erzählung

Auffällig war auch die Dramaturgie der Setlist. Viele bekannte Stücke erschienen bereits zu Beginn des Konzerts. Eine ungewöhnliche Entscheidung, die den Abend von Anfang an auf Spannung hielt.

Gegen Ende folgte mit „Where Is My Mind?“ jener Song, der durch David Finchers Fight Club weit über die ursprüngliche Fangemeinde hinaus bekannt wurde. Obwohl das Lied erst Jahre nach seiner Veröffentlichung zu einem kulturellen Bezugspunkt wurde, gehört es heute untrennbar zum Vermächtnis der Band.

Nach etwas mehr als neunzig Minuten endete das Konzert ohne Zugabe. „Into the White“ bildete den Schlusspunkt. Das Licht ging an, die Bühne wurde in helles Weiß getaucht. Ein bewusst gesetztes Ende, das auf die üblichen Rockrituale verzichtete.

Vierzig Jahre später

Dieses Konzert war keine Neuerfindung. Es war eine Bestandsaufnahme einer Band, deren Einfluss bis heute nachwirkt. Der Schwerpunkt auf dem frühen Material mag Fragen nach den späteren Schaffensphasen offenlassen. Gleichzeitig erinnerte der Abend daran, weshalb die Pixies überhaupt zu einer der prägenden Gruppen ihrer Generation wurden.

Vierzig Jahre nach ihrer Gründung besitzen viele dieser Songs noch immer eine bemerkenswerte Frische. Die Spannung zwischen Pop und Noise, zwischen Melodie und Dissonanz, wirkt weiterhin lebendig. Die Pixies müssen ihre Bedeutung nicht mehr beweisen. Sie wird in jedem dieser Stücke hörbar.

Wer die Band heute live erlebt, besucht keine nostalgische Museumsveranstaltung. Man begegnet einer Gruppe, deren Vergangenheit so stark ist, dass sie in der Gegenwart weiterhin wirksam bleibt. Gerade darin lag die Qualität dieses Abends.

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Kreidler spielten im Hafen 2 Offenbach, einem Veranstaltungsort direkt am Main. Das Gelände liegt offen am Wasser, und an diesem frühen Sommerabend war die Luft mild, das Licht zog sich langsam zurück. Draußen hätte man sich niederlassen können, die Wärme der Nacht aufnehmen, beobachten, wie sich die Dunkelheit über den Fluss legt. Doch das Konzert fand in der Halle statt, einem großzügigen Raum, in dem sich die Band mit ihren Instrumenten und Geräten ausbreitete. Draußen stand der fast volle Mond über dem Main, innen entwickelte sich eine eigene Atmosphäre aus flackernden Lichtern und konzentrierter Energie der Technik.

Tradition und Gegenwart

Kreidler stehen bewusst in einer musikalischen Genealogie. Düsseldorf als Bezugspunkt, als Stadt von Neu! und La Düsseldorf, als ein Ort, an dem sich elektronische und rockmusikalische Traditionen früh miteinander verschränkten. Diese Linie ist bei Kreidler hörbar, aber sie wird nicht zitiert oder rekonstruiert. Vielmehr wird sie weitergeführt und verschoben. Die Nähe zu Krautrock ist in den letzten Jahren deutlicher geworden, doch bleibt sie Teil einer offenen Transformation. Ebenso fließen Einflüsse aus zeitgenössischer Elektronik, Post-Rock und Noise ein. Daraus entstehen Grooves, die gleichzeitig hypnotisch und körperlich wirken.

Das neue Album Schemes bildete den Kern des Abends. Es zeigt eine Band, die ihre eigene Sprache weiter verdichtet, dabei aber nicht an Beweglichkeit verliert. Im Konzert wurde deutlich, dass diese Stücke live eine zusätzliche Dringlichkeit entwickeln, als würden sie sich erst im Raum vollständig entfalten.

Das Zusammenspiel der Instrumente

Thomas Klein war am Schlagzeug der prägendste Faktor des Abends. Sein Spiel wirkte zugleich präzise und instabil im besten Sinne. Er hatte sein Set erweitert und klanglich geöffnet, mit zusätzlichen Materialien und Eingriffen in die akustische Struktur des Instruments. Dadurch wurde das Schlagzeug weniger reine Rhythmusquelle als ein offenes Klangsystem. Jede Bewegung griff direkt in den Gesamtklang ein, jeder Impuls formte den Raum mit.

Andreas Reihse an den Keyboards arbeitete mit Linien, Flächen und Eingriffen in den Klangverlauf. Auch hier verschwammen die Grenzen zwischen Instrument und Gestaltung zunehmend. Klangverläufe, Filterbewegungen und Schichtungen fügten sich in das rhythmische Gefüge ein, ohne es zu dominieren.

Alex Paulick am Bass bewegte sich zwischen Fundament und melodischer Eigenständigkeit. Seine Lines trugen den Groove, konnten ihn aber ebenso aufbrechen oder verschieben. Mal federnd, mal drängend, mal klar hervortretend, blieb der Bass eine gleichwertige Stimme im Gesamtbild.

Das Zusammenspiel funktionierte, weil keine Hierarchie spürbar wurde. Der Bass stabilisierte und verschob zugleich, das Schlagzeug strukturierte und öffnete den Raum, die Keyboards verbanden beides zu einer dichten, beweglichen Oberfläche.

Energie und Kontrolle

Der Beginn des Konzerts war zurückhaltend. Die ersten Stücke tasteten sich in den Raum hinein, ließen Zeit zur Orientierung. Nach und nach verdichtete sich der Klang, wurde rhythmischer, unmittelbarer. Irgendwann kippte die Situation in eine fast körperliche Präsenz. Der Groove wirkte nicht mehr beobachtbar, sondern unmittelbar spürbar.

Kreidler arbeiten mit einem Spannungsfeld aus klarer Setzung und kontrollierter Instabilität. Die Stücke wirken präzise konstruiert, fast wie vermessene Formen, und geraten im Verlauf doch immer wieder ins Rutschen. Kleine Störungen, Brüche und Verschiebungen verändern die Oberfläche, ohne die Grundstruktur aufzulösen. Gerade daraus gewinnt die Musik ihre Wirkung, aus einer Ordnung, die nie vollständig geschlossen ist und sich jederzeit neu justieren kann.

Die Nacht am Main

Nach rund anderthalb Stunden endete das Konzert. Beim Verlassen des Geländes war die Nacht vollständig angekommen. Der Main floss ruhig, der Mond gab ein sanftes Licht, die Luft war warm und angenehm. Das Konzert hatte eine eigene innere Intensität hinterlassen, etwas Nachwirkendes, das sich nun langsam löste.

Der Hafen 2 Offenbach ist inzwischen wieder still. Der Main fließt weiter. Die Musik ist verklungen, bleibt aber als Nachhall im Körper bestehen.

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Der kleine Dreikönigskeller war ausverkauft, das Publikum stand dicht gedrängt, die Luft warm, die Erwartung spürbar. Den Auftakt übernahm das Wright Valley Trio aus Wiesbaden, das mit schwerem Doom Metal den Raum sofort auf Betriebstemperatur brachte. Verzerrte Gitarren, langsame, wuchtige Riffs und eine Ästhetik, die deutlich an die frühen Neunziger erinnerte, an Bands wie Melvins oder Neurosis, deren Einfluss bis heute nachhallt.

Zwischen Drone, Doom und Feedback

Dass diese Tradition auch im Sound von Nadja nachwirkt, wurde später am Abend hörbar, allerdings in deutlich abstrakterer Form. Die Kanadier Aidan Baker und Leah Buckareff, inzwischen von Berlin aus aktiv, haben das Sludge- und Doom-Vokabular längst mit Ambient, Drone und experimentellen Texturen angereichert. Seit der Gründung als Duo im Jahr 2005 bewegt sich ihre Musik konsequent zwischen massiver Verdichtung und beinahe meditativer Auflösung.

Die Bühne war funktional geteilt. Ein zentrales Rack aus Effektgeräten bildete die technische Schaltstelle. Links stand Baker mit Gitarre, ständig zwischen Instrument und Pedalen wechselnd, Sounds modellierend, Schichten aufbauend.

Rechts befand sich Buckareff am Bass, oft mit dem Rücken zum Publikum, ganz in die Klangarbeit versunken.

Rotes und blaues Licht tauchte den Raum in eine diffuse, fast traumartige Atmosphäre. Ein Hauch Nebel verstärkte die visuelle Entrückung, während die Diskokugel über der Bühne einen leicht surrealen Kontrapunkt setzte.

Der Beginn des Sets geriet überraschend zurückhaltend. Vereinzelte Klangflächen, tastende Drones, fragile Strukturen. Doch die Ruhe war nur ein Vorspiel. Allmählich verdichteten sich Feedbackschichten, Gitarren wurden lauter, der Sound rauer, schmutziger, körperlicher. Nadja bauten ihre typischen Klangwände nicht abrupt, sondern organisch auf. Frequenzen schoben sich übereinander, Resonanzen begannen zu vibrieren, der Raum selbst schien Teil der Komposition zu werden. Teilweise spielte Baker Passagen mit dem Geigenbogen und entlockte der Gitarre langgezogene, fast körperlose Töne, die sich wie Nebelschwaden über die bereits dichten Klangflächen legten.

Die programmierten Drums wirkten dabei zunächst wie ein Fremdkörper, beinahe irritierend inmitten der fließenden Drone-Texturen. Gleichzeitig verliehen sie den Stücken eine unterschwellige Struktur, einen Puls, an dem sich das Ohr festhalten konnte. Was puristisch vielleicht verzichtbar schien, erwies sich live als Brücke: Der Rhythmus erdete die Klangflächen, machte die komplexen Schichtungen zugänglicher, ohne ihre Intensität zu mindern.

Klangwände statt Bühnenblick

Von weiter hinten, was im Dreikönigskeller nur wenige Meter bedeutet, verschwand die Band nahezu hinter den Köpfen der Zuschauer. Die niedrige Bühne ließ kaum Sicht, dafür aber umso mehr Konzentration auf den Sound. Ein Zustand, der der Musik entgegenkam. Ohne visuelle Ablenkung ließ man sich leichter in die langsamen Wellenbewegungen ziehen, in das Dröhnen, Flirren und Grollen der Gitarren.

Vereinzelt tauchten Vocals auf, mehr Textur als Stimme, im dichten Klang fast bis zur Unhörbarkeit eingebettet. Ob ästhetische Entscheidung oder Mischungssache blieb offen, störte jedoch kaum. Nadjas Musik braucht keine klaren Gesangslinien, sie funktioniert als Atmosphäre, als physische Erfahrung, als kontrollierter Lärm mit hypnotischem Sog.

Das Publikum spiegelte diese Vielschichtigkeit wider. Etwa zur Hälfte klassische Metal-Fans, zur anderen Hälfte ein alternativ geprägtes, experimentierfreudiges Publikum. Die Zugabe bediente schließlich auch die Bedürfnislage der Härtefraktion: ein Stück mit spürbar mehr Druck, das fast zum headbanging animierte.

Nach gut einer Stunde endete der Auftritt. Ein Set, das ebenso gut hätte weiterfließen können, bis zur völligen Auflösung des Zeitgefühls. So blieb ein intensiver, leicht entrückter Eindruck zurück: ein Abend zwischen Enge, Lärm und jener eigentümlichen Trance, die nur Bands wie Nadja erzeugen können.

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