Trotzdem wirkt der Raum nicht überfrachtet. Die Hängung lässt Luft, gibt den Bildern Platz zum Atmen. Ein paradoxer Zustand: Der Raum erscheint voll und leer zugleich.

Körper in Spannung

Die Werke arbeiten mit dunklen Farbtönen, aus denen sich verschränkte Körper lösen. Diese Körper sind abstrakt, reduziert auf Gesten und Positionen. Sie kämpfen miteinander, tanzen umeinander, verschmelzen zu Konfigurationen, die ebenso gut sexuelle Posen sein könnten. Die Grenzen zwischen Kampf, Tanz und Erotik verschwimmen. Vielleicht geschieht alles gleichzeitig: Die Körper bewegen sich umeinander, bauen Spannung auf, entladen sie in Gewalt oder Begehren.

Illenseers Figuren besitzen keine individuellen Züge. Sie sind Platzhalter, Stellvertreter für etwas Größeres. Ihre Verschränkungen wirken zwanghaft, als wären sie in Positionen gefroren, aus denen sie nicht entkommen können. Die Kompositionen erzeugen eine klaustrophobische Enge, zugleich aber auch eine eigentümliche Dynamik. Es ist, als würden die Körper gegeneinander antreten, ohne je zur Ruhe zu kommen.

Gesellschaftliche Zwänge

Was hier sichtbar wird, ist ein Bild der Gesellschaft. Illenseer zeigt den Menschen als Wesen, das in vorgegebene Rollen gedrängt wird. Schon als Kind beginnt die Konditionierung: Verhalte dich so, nicht anders. Füge dich ein, übernimm die Erwartungen, die an dich gestellt werden. Als Erwachsener setzt sich dieser Prozess fort. Der Berufsalltag verlangt Anpassung, die Politik erlässt Gesetze, die oft gegen die eigenen Interessen stehen, das soziale Umfeld erwartet Konformität. Das Individuum wird zum Mitspieler in einem System, das es nicht selbst gewählt hat.

Die Teilnahme ist nicht freiwillig. Wer sich verweigert, riskiert Ausschluss. Wer mitmacht, zahlt den Preis permanenter Anpassung. Die Körper in Illenseers Bildern tanzen nicht aus Freude, sie kämpfen nicht aus freiem Willen. Sie sind gefangen in Strukturen, die ihre Handlungsspielräume begrenzen. Der Druck, der dabei entsteht, entlädt sich in Gewalt, in Konkurrenz, manchmal auch in sexueller Spannung.

Besonders deutlich wird dieser Zwang in der Unfähigkeit, innezuhalten. Die Gesellschaft verlangt ständige Aktivität, permanente Verfügbarkeit, kontinuierliche Optimierung. Momente des Genusses, des bewussten Verweilens, verschwinden. Stattdessen dominiert ein rastloses Getriebensein. Illenseers Körper sind niemals entspannt, niemals ruhig. Sie befinden sich in einem Zustand permanenter Anspannung, als würde die bloße Existenz Energie kosten, die nie zurückgewonnen werden kann. Diese Rastlosigkeit prägt den modernen Menschen: Wer stillsteht, verliert. Wer innehält, wird überholt. Wer genießt, verschwendet Zeit.

Narzissmus als Spiegel

Ein Werk fällt aus dem Rahmen. Statt verschränkter Körper zeigt es ein Gesicht, jedoch zersplittert, fragmentiert, als wäre ein Spiegel zerbrochen. Die Assoziation zum Narziss-Mythos liegt nahe. Narziss, der sich in sein Spiegelbild verliebt und daran zugrunde geht, wird hier nicht durch Wellen im Wasser verzerrt, sondern durch Bruchstücken reflektiert. Das Selbstbild zerfällt in Fragmente, die sich nicht mehr zu einem Ganzen fügen lassen.

Dieses Werk fügt sich dennoch schlüssig in die Ausstellung ein. Narzissmus ist nicht nur individuelle Selbstverliebtheit, sondern eine gesellschaftliche Dynamik. In einer Kultur, die ständig Selbstoptimierung fordert, wird das Ich zur Projektionsfläche für Erwartungen, die nie erfüllt werden können. Das zersplitterte Gesicht zeigt nicht nur den Blick auf sich selbst, sondern auch die Unmöglichkeit, in diesem Blick ein kohärentes Selbst zu finden. Narzissmus erzeugt Druck auf andere, die diesem verzerrten Bild entsprechen sollen. Die Körper in den anderen Bildern reagieren darauf: Sie kämpfen um Aufmerksamkeit, konkurrieren um Anerkennung, verschränken sich in Konfigurationen, die ebenso viel mit Macht wie mit Begehren zu tun haben.

Raumwirkung als Konzept

Illenseers Entscheidung, großformatige Arbeiten zu zeigen, ist keine bloße Geste. Die Monumentalität der Bilder zwingt Besucherinnen und Besucher, sich physisch mit ihnen auseinanderzusetzen. Sie können nicht übersehen, nicht beiläufig wahrgenommen werden. Zugleich schafft die präzise Hängung Distanz. Die Bilder nehmen Raum ein, ohne ihn zu erdrücken. Sie fordern Aufmerksamkeit, ohne aufdringlich zu werden. Diese Balance ist schwer zu erreichen, Illenseer gelingt sie.

Der Raum selbst wird Teil der Aussage. Das Nebbiensche Gartenhaus ist ein intimer Ort, keine White Cube-Galerie. Die Arbeiten verwandeln ihn in eine Bühne, auf der gesellschaftliche Dynamiken sichtbar werden. Wer den Raum betritt, wird nicht zum Mitspieler, aber zum Zeugen. Das Mitmachen findet auf den Bildern statt, nicht davor.

Dringlichkeit der Kritik

Mitmachen ist eine der stärksten Ausstellungen, die dieses Jahr in Frankfurt zu sehen ist. Illenseer formuliert eine präzise Gesellschaftskritik, ohne didaktisch zu werden. Er zeigt, ohne zu erklären. Die Bilder sprechen für sich, und was sie sagen, ist unbequem. Der Zwang zur Anpassung, die Unfähigkeit innezuhalten, die Fragmentierung des Selbst: Das sind keine abstrakten Themen, sondern alltägliche Erfahrungen. Illenseers Verdienst liegt darin, diese Erfahrungen in eine bildliche Sprache zu übersetzen, die zugleich formal überzeugend und inhaltlich dringlich ist.

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Das Nebbiensche Gartenhaus zeigt zum zehnten Mal die Wanderausstellung Frankfurt-Prag-Bratislava, ein Projekt, das seit 2016 Kunstschaffende aus drei Städten zusammenbringt. Organisiert wird die Ausstellung vom Frankfurter Künstlerclub in Kooperation mit der Deutsch-Tschechischen und Deutsch-Slowakischen Wirtschaftsvereinigung. Das Format ist klar: Jeweils zwei Positionen aus jeder Stadt werden vorgestellt, die Ausstellung wandert anschließend nach Prag und Bratislava weiter. Ein Austausch, der Grenzen überschreitet und unterschiedliche künstlerische Ansätze sichtbar macht.

Frankfurter Positionen

Sören Pürschel, Vorsitzender des Frankfurter Künstlerclubs, ist vielen durch seine großformatigen Collagen bekannt, auf denen ganze Bücher und Schallplatten montiert sind. In dieser Ausstellung zeigt er eine andere Seite: fotografische Arbeiten mit Bewegungsunschärfe in kräftigen Farben. Die Bilder wirken verschwommen, verwackelt, abstrakt. Motive aus der Stadt lösen sich in Farbe und Bewegung auf. Eine überraschende Wendung, die zeigt, wie variabel Pürschels künstlerisches Vokabular ist.

Vitus Thanner präsentiert dreidimensionale Bildobjekte, die durch chemische Prozesse entstehen. Feuer und Chemikalien bearbeiten Materialien wie Styroporplatten, erzeugen Strukturen, die zwischen Natur und Technik oszillieren. Thanner begreift Technologie nicht als Bedrohung, sondern als Teil eines größeren Gleichgewichts. Seine Arbeiten suchen Schönheit in der chemischen Reaktion, Ordnung im Chaos des Moleküls. Eine Position, die sich gegen die verbreitete Skepsis gegenüber Fortschritt und Innovation stellt.

Prager Beiträge

Olga Volfová arbeitet mit monochromen Farbflächen und ihren Schattierungen. Ihre Bilder entwickeln Formen, die Fantasie anregen, ohne konkret zu werden. Die Kompositionen bleiben offen, lassen Raum für Assoziationen. Themen wie Beziehung, Landschaft und Spiritualität schwingen mit, ohne explizit benannt zu werden. Eine poetische Bildsprache, die sich zurücknimmt und gerade dadurch Wirkung entfaltet.

Lexa Dvořák setzt dagegen auf Gegenständlichkeit. Seine Bilder reflektieren über Existenz, Mensch und Universum. Der Künstler, der an der Emily University of Arts in Vancouver studierte und seitdem zwischen Prag und Františkovy Lázně pendelt, malt überall: Kreidezeichnungen auf Bürgersteigen in Costa Rica, Illustrationen für Publikationen in den USA und Kanada. Das Bedürfnis, durch Zeichnen und Malen Gefühle auszudrücken, beschreibt er als Lebensnotwendigkeit.

Bratislavaer Arbeiten

Viktor Němeček arbeitet mit geometrischer Abstraktion. Trotz vieler Farben gelingt es ihm, stimmige Kompositionen zu entwickeln. Bei näherem Hinsehen wird deutlich, dass er auch mit Struktur arbeitet, was den Bildern eine plastische Qualität verleiht. Němeček, der bereits während seines Studiums an der Hochschule für Bildende Künste in Bratislava zahlreiche Logos, Plakate und Kataloge entwarf, verbindet grafisches Denken mit malerischer Freiheit.

Slavomír Gibej sticht heraus. Seine Arbeiten verlassen die Zweidimensionalität und dringen in den Raum vor. Torsos kommen aus den Bilderrahmen heraus, erinnern an Schaufensterpuppen, zugleich aber auch an Cyborgs durch ihre futuristische Gestaltung. Gibej arbeitet mit der Technik des Lifecasting, bei der er detaillierte Texturen und Emotionen lebender Körper in skulpturale Präsenz überführt. Die Proportionen wirken oft übersteigert, fast hyperidealisiert, was sich als Kommentar auf zeitgenössischen Körperkult lesen lässt. Zugleich lassen sich Bezüge zu antiken Skulpturen erkennen. Gibej, Absolvent der Akademie für Bildende Künste und Design in Bratislava, arbeitete lange in der Werbebranche, bis er nach einem intensiven Rückzug zur freien Bildhauerei zurückkehrte. Seine Arbeiten entstehen heute in Ateliers in Bratislava und Prag.

Räumliche Ordnung

Auffällig ist die klare räumliche Gliederung. Im linken Flügel des Gartenhauses hängen die Prager Arbeiten, im rechten die aus Bratislava, im Mittelteil die Frankfurter Positionen. Diese Aufteilung schafft Übersichtlichkeit, zugleich aber auch Trennung. Ein Dialog zwischen den Werken entsteht eher innerhalb der jeweiligen Städtegruppen als über die Grenzen hinweg. Die Ausstellung präsentiert nebeneinander, statt miteinander zu sprechen.

Dennoch erfüllt das Format seinen Zweck: Es macht unterschiedliche künstlerische Ansätze sichtbar, schafft Verbindungen zwischen drei Städten und ermöglicht Austausch. Nach der Präsentation in Frankfurt wandert die Ausstellung weiter nach Prag und anschließend nach Bratislava. Ein Projekt, das seit zehn Jahren kontinuierlich Brücken baut und zeigt, dass kultureller Austausch auch jenseits großer Institutionen funktionieren kann.

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