Das Nebbiensche Gartenhaus zeigt zum zehnten Mal die Wanderausstellung Frankfurt-Prag-Bratislava, ein Projekt, das seit 2016 Kunstschaffende aus drei Städten zusammenbringt. Organisiert wird die Ausstellung vom Frankfurter Künstlerclub in Kooperation mit der Deutsch-Tschechischen und Deutsch-Slowakischen Wirtschaftsvereinigung. Das Format ist klar: Jeweils zwei Positionen aus jeder Stadt werden vorgestellt, die Ausstellung wandert anschließend nach Prag und Bratislava weiter. Ein Austausch, der Grenzen überschreitet und unterschiedliche künstlerische Ansätze sichtbar macht.

Frankfurter Positionen

Sören Pürschel, Vorsitzender des Frankfurter Künstlerclubs, ist vielen durch seine großformatigen Collagen bekannt, auf denen ganze Bücher und Schallplatten montiert sind. In dieser Ausstellung zeigt er eine andere Seite: fotografische Arbeiten mit Bewegungsunschärfe in kräftigen Farben. Die Bilder wirken verschwommen, verwackelt, abstrakt. Motive aus der Stadt lösen sich in Farbe und Bewegung auf. Eine überraschende Wendung, die zeigt, wie variabel Pürschels künstlerisches Vokabular ist.

Vitus Thanner präsentiert dreidimensionale Bildobjekte, die durch chemische Prozesse entstehen. Feuer und Chemikalien bearbeiten Materialien wie Styroporplatten, erzeugen Strukturen, die zwischen Natur und Technik oszillieren. Thanner begreift Technologie nicht als Bedrohung, sondern als Teil eines größeren Gleichgewichts. Seine Arbeiten suchen Schönheit in der chemischen Reaktion, Ordnung im Chaos des Moleküls. Eine Position, die sich gegen die verbreitete Skepsis gegenüber Fortschritt und Innovation stellt.

Prager Beiträge

Olga Volfová arbeitet mit monochromen Farbflächen und ihren Schattierungen. Ihre Bilder entwickeln Formen, die Fantasie anregen, ohne konkret zu werden. Die Kompositionen bleiben offen, lassen Raum für Assoziationen. Themen wie Beziehung, Landschaft und Spiritualität schwingen mit, ohne explizit benannt zu werden. Eine poetische Bildsprache, die sich zurücknimmt und gerade dadurch Wirkung entfaltet.

Lexa Dvořák setzt dagegen auf Gegenständlichkeit. Seine Bilder reflektieren über Existenz, Mensch und Universum. Der Künstler, der an der Emily University of Arts in Vancouver studierte und seitdem zwischen Prag und Františkovy Lázně pendelt, malt überall: Kreidezeichnungen auf Bürgersteigen in Costa Rica, Illustrationen für Publikationen in den USA und Kanada. Das Bedürfnis, durch Zeichnen und Malen Gefühle auszudrücken, beschreibt er als Lebensnotwendigkeit.

Bratislavaer Arbeiten

Viktor Němeček arbeitet mit geometrischer Abstraktion. Trotz vieler Farben gelingt es ihm, stimmige Kompositionen zu entwickeln. Bei näherem Hinsehen wird deutlich, dass er auch mit Struktur arbeitet, was den Bildern eine plastische Qualität verleiht. Němeček, der bereits während seines Studiums an der Hochschule für Bildende Künste in Bratislava zahlreiche Logos, Plakate und Kataloge entwarf, verbindet grafisches Denken mit malerischer Freiheit.

Slavomír Gibej sticht heraus. Seine Arbeiten verlassen die Zweidimensionalität und dringen in den Raum vor. Torsos kommen aus den Bilderrahmen heraus, erinnern an Schaufensterpuppen, zugleich aber auch an Cyborgs durch ihre futuristische Gestaltung. Gibej arbeitet mit der Technik des Lifecasting, bei der er detaillierte Texturen und Emotionen lebender Körper in skulpturale Präsenz überführt. Die Proportionen wirken oft übersteigert, fast hyperidealisiert, was sich als Kommentar auf zeitgenössischen Körperkult lesen lässt. Zugleich lassen sich Bezüge zu antiken Skulpturen erkennen. Gibej, Absolvent der Akademie für Bildende Künste und Design in Bratislava, arbeitete lange in der Werbebranche, bis er nach einem intensiven Rückzug zur freien Bildhauerei zurückkehrte. Seine Arbeiten entstehen heute in Ateliers in Bratislava und Prag.

Räumliche Ordnung

Auffällig ist die klare räumliche Gliederung. Im linken Flügel des Gartenhauses hängen die Prager Arbeiten, im rechten die aus Bratislava, im Mittelteil die Frankfurter Positionen. Diese Aufteilung schafft Übersichtlichkeit, zugleich aber auch Trennung. Ein Dialog zwischen den Werken entsteht eher innerhalb der jeweiligen Städtegruppen als über die Grenzen hinweg. Die Ausstellung präsentiert nebeneinander, statt miteinander zu sprechen.

Dennoch erfüllt das Format seinen Zweck: Es macht unterschiedliche künstlerische Ansätze sichtbar, schafft Verbindungen zwischen drei Städten und ermöglicht Austausch. Nach der Präsentation in Frankfurt wandert die Ausstellung weiter nach Prag und anschließend nach Bratislava. Ein Projekt, das seit zehn Jahren kontinuierlich Brücken baut und zeigt, dass kultureller Austausch auch jenseits großer Institutionen funktionieren kann.

Der Beitrag Frankfurt-Prag-Bratislava im Nebbienschen Gartenhaus erschien zuerst auf Main Kritik.

Fotos von beinahe perfekter Abstraktion eröffnen den Rundgang. Bilder, die im ersten Moment wie Collagen wirken, obwohl sie fotografische Beobachtungen bleiben. Flächen, Farben und Kanten strukturieren die Komposition, doch der eigentliche Zauber entsteht im Licht. Schatten modellieren Ebenen, erzeugen Tiefe und bewahren einen feinen Rest Realismus.

Das Fotografie Forum Frankfurt zeigt mit Shadows Might Dance die erste große Überblicksausstellung von Jessica Backhaus. Die Schau versammelt Arbeiten aus rund 25 Jahren und verzichtet bewusst auf eine strenge Chronologie. Stattdessen entwickelt sich ein visueller Dialog zwischen frühen Serien und aktuellen Werkgruppen, der Kontinuitäten sichtbar macht, ohne Entwicklung zu vereinfachen.

Vom Dokument zur Abstraktion

Die ältesten gezeigten Fotografien stammen aus Jesus and the Cherries (2001 bis 2005), entstanden im polnischen Dorf Nętno. Backhaus richtet den Blick auf scheinbar beiläufige Details: Möbel, Textilien, religiöse Motive, Alltagsgegenstände. Schon hier zeigt sich eine klare künstlerische Haltung. Nähe ersetzt Distanz, der präzise Ausschnitt verdrängt das Panorama. Das Dokumentarische bleibt präsent, wirkt jedoch leise, konzentriert und fast intim. Zugleich entsteht ein sensibles Porträt ländlicher Lebenswelten, das weder folkloristisch noch nostalgisch wirkt. Farben, Oberflächen und Licht verweisen bereits auf spätere formale Interessen.

Die Motive erzählen vom Alltag, doch entscheidend ist die Art der Verdichtung, mit der Backhaus Atmosphäre und Struktur sichtbar macht.

Mit Once, Still and Forever (2009 bis 2012) verschiebt sich der Fokus spürbar. Gegenstände lösen sich zunehmend aus ihrem Kontext, Räume verlieren ihre erzählerische Eindeutigkeit. Form, Farbe und Licht treten in den Vordergrund. Die Bilder wirken ruhiger und zugleich entschiedener. Wahrnehmung selbst wird zum Thema.

A Trilogy (2015 bis 2017) markiert eine Phase des Übergangs. Unterserien wie Shifting Clouds und Beyond Blue experimentieren mit Fragmenten, Überlagerungen und formalen Verdichtungen. Fotografie nähert sich der Collage und nimmt malerische Qualitäten an. Ein einfacher Faden, der einen Schatten wirft, genügt, um Bildraum und Illusion neu auszutarieren. Reduktion und Irritation greifen ineinander.

Material, Licht und Illusion

In Cut Outs (2018 bis 2021) erreicht Backhaus eine neue Klarheit. Geschnittenes, farbiges Papier wird arrangiert, verformt und fotografisch fixiert. Hitze und Sonnenlicht greifen ins Material ein, Kanten verschieben sich, Flächen wölben sich. Die entstandenen Arbeiten besitzen eine bemerkenswerte Präsenz. Erst bei genauer Betrachtung wird deutlich, dass es sich nicht um Collagen handelt, sondern um fotografierte Konstruktionen. Schatten erzeugen räumliche Spannung und lassen fragile Objekte entstehen, die zwischen Bild und Skulptur oszillieren. Diese Serie markiert einen entscheidenden Schritt hin zu einer Bildsprache, die Illusion und Materialität bewusst verschränkt. Farbe wird nicht nur Komposition, sondern physische Erfahrung. Licht fungiert als formgebendes Element. Die Arbeiten wirken reduziert und zugleich komplex.

Die aktuelle Serie Papyrus (2024 bis 2026) führt diesen Ansatz konsequent weiter. Papier ist nun nicht mehr nur Träger oder Motiv, sondern zentrales Thema. Strukturen, Texturen und Farbübergänge bestimmen die Bildwirkung. Die Fotografien erscheinen reduziert, zugleich jedoch komplex und vielschichtig. Abstraktion wird hier zur stillen, beinahe meditativen Erfahrung.

Inszenierung und Wirkung

Die kuratorische Inszenierung von Celina Lunsford und Andrea Horvay überzeugt durch Präzision und Zurückhaltung. Werkgruppen greifen ineinander, Motive und formale Ideen spiegeln sich über Jahre hinweg. Entwicklung wird erfahrbar, ohne didaktisch erklärt zu werden. Farbe und Licht entfalten in den Ausstellungsräumen eine ruhige Intensität.

Als künstlerisches Statement bleiben manche Arbeiten bewusst offen. Gelegentlich bewegen sich einzelne Bilder nahe an einer dekorativen Ästhetik. Gerade diese Grenzbereiche machen jedoch den Reiz der Ausstellung aus, weil sie die Spannung zwischen formaler Schönheit und konzeptueller Strenge sichtbar werden lassen.

Auch wenn die Schatten hier nicht tanzen, sondern fixiert sind, bleibt der Eindruck nachhaltig. Shadows Might Dance ist eine sehenswerte, dichte Begegnung mit einem Werk, das sich konsequent von der Beobachtung zur Abstraktion entwickelt.

Der Beitrag Jessica Backhaus: Shadows Might Dance im Fotografie Forum Frankfurt erschien zuerst auf Main Kritik.